一座舞台如何讓人記住？答案不一定是更大的螢幕、更密集的動畫，或同時亮起的所有燈光。第 37 屆金曲獎頒獎典禮的追思演出裡，田馥甄站在接近全暗的舞台，歌聲伴隨身後的雷射投影；透過攝影機的滾動式快門，原本筆直的光束變成波浪般的曲線，成為當晚安靜卻鮮明的畫面。
這段演出原先準備了視訊動畫，卻在現場決定拿掉。對動畫團隊而言難免可惜，但播出後，觀眾討論最多的，恰恰是這個少了元素的版本。擔任本屆典禮視覺執行總監的凌傑森，從這個決定談起舞台設計的核心：不是把所有能使用的技術都放上去，而是理解什麼時候應該加，什麼時候需要退後。
舞台越複雜，越需要清楚的控制
這是凌傑森與團隊 Realive 真實現場第五年負責金曲獎的視覺執行。他們整合典禮主視覺、舞台視覺與演出節目的視訊動畫，也在現場協調雷射與燈光，讓幕後團隊安排的畫面能在正確時間被觀眾看見。
本屆典禮的主要挑戰，是舞台上方由 30 座 LED 螢幕組成的「螢幕方塊」。這些螢幕會升降並改變陣型，團隊必須讓它們在不同高度與位置下，仍能拼接成完整的大畫面；同時，還要處理機械結構可能帶來的複雜感，維持舞台畫面的俐落。
真正困難的，則是各種視覺效果之間的比例。凌傑森指出，舞台看起來大氣，往往仰賴觀眾不容易察覺的細節。以螢幕方塊為例，為了避免 LED 亮度搶過燈光、雷射與表演者的存在感，每一面的亮度都經過多次測試。「觀眾看到的結果，可能來自於 10% 的些微差異。」這些微調不會成為主角，卻直接影響觀看時的秩序。
設計必須從圖面走到現場
凌傑森與舞台視覺的緣分，始於一次意外。高中時，他為了靠近跨年晚會舞台嘗試翻牆，卻摔斷腿，也因此開始對舞台相關工作產生好奇。大學三年級進入整合行銷公司後，他從平面設計與活動業務做起，接觸校園演出、品牌活動與演唱會，並在公司承接大型演出後自學 3D，逐步進入舞台設計。
真正接案後，他才發現舞台設計不能只停留在漂亮的效果圖。「我的設計被硬體公司打槍、被質疑，因為不是相關背景出身，我開始去接觸各種技術，讓舞台設計圖可以真正落地。」當時 LED 螢幕技術剛引進台灣，他也成為早期將 LED 應用於演出舞台的幕後工作者，從對動畫的摸索開始，誤打誤撞進入 VJ 與視訊執行的工作。
這段從執行端累積的經驗，影響了他後來的設計判斷。凌傑森更在意視覺能否協助表演者與舞台，而不是單獨成為一件「超美的作品」；設計的重點，是畫面如何與表演契合。
2024 年王心凌《Sugar High 2.0》世界巡迴演唱會便是例子。演出以糖果包裝紙為概念，結合裝置、互動設施、升降結構與非常見尺寸的 LCD 螢幕。凌傑森需要思考藝人出現在螢幕上是否好看，也要處理動畫與舞台結構的配合。最後，他提出巴洛克式教堂的 3D 設計，讓教堂隨歌曲逐步建構，透過燈光與材質變化呼應情緒。當畫面與結構都很複雜時，適度減少視覺資訊，反而能讓演出更清楚。
靈感不是搜尋出來，而是持續觀察
即使已經參與過上千場演唱會、典禮與現場活動，凌傑森仍會讓自己保持觀看其他演出的習慣。他認為，靈感不只來自付費演唱會，也可以從直播的超級盃中場秀、Coachella 音樂節等公開資源中觀察不同的舞台方法。
日常生活同樣提供設計線索：高鐵車廂與窗外景色的差異、兒童玩具裡的特殊機關，甚至是能改變透明度的玻璃，都可能成為日後的視覺語彙。他習慣隨時記錄想法，設計卡關時再回頭翻閱，讓零散觀察成為解決問題的材料。
AI 則改變了提案與試錯的速度。過去舞台設計建立模型可能需要一週，如今團隊能在半天內將平面轉成 3D 模擬圖，讓藝人與主辦單位更快確認方向，也能在正式執行前保留更多修正空間。不過，凌傑森並不把 AI 視為創意的替代品。「它就是個視訊動畫的小白，我累積十幾年工作的 Know-How 它不可能都會。」工具能加快生成，卻不能代替使用者判斷哪些畫面適合表演；那套判斷來自長期累積與反覆修正。
不是全部亮起，才叫做充分使用
舞台工作的現實，與觀眾看到的光鮮畫面有很大距離。凌傑森分享，自己第一次到上海工作，抵達後便直接前往現場測試，演出結束前幾乎只在飯店與會場之間往返。直到現在，每次演唱會開演前他仍然緊張，因為最後一次檢查往往能發現尚未處理的問題。
他也觀察到，台灣的演出常有一種「既然租了，就要全部打開」的焦慮：租了大螢幕，就要讓螢幕持續播放；準備了數千盞燈，就想讓它們同時亮起。但器材全部啟用，不等於畫面經過設計。三千盞燈可以同時亮，卻應該等到最恰當的時刻；舞台機關也不必在開場幾分鐘內全部揭露。當演出有了收放與起承轉合，觀眾才會真正感受到變化。
四月張清芳的慈善演唱會中，背景原先設定為滿滿的星光動畫。為了讓觀眾的手機燈也成為畫面的一部分，凌傑森將背景調暗，只留下升降舞台上緣的弧形亮光。當張清芳站在舞台上緣，弧形燈光與觀眾席的手機燈共同構成畫面；現場沒有塞滿效果，卻因此留下表演者與觀眾共同完成的空間。
回到金曲獎追思演出，當絢麗的視訊動畫退場，田馥甄的歌聲隨著逝世音樂工作者的影像流動，只留下簡單而克制的雷射。那些看似「什麼都沒有」的瞬間，並不是設計缺席，而是設計把注意力讓回音樂與表演本身。
對凌傑森而言，舞台的加法與減法並非兩種風格，而是同一套工作判斷：先理解表演需要什麼，再決定技術要出現到什麼程度。當每一個元素都知道自己為何存在，舞台才不只是器材的集合，而會成為觀看與演出共同發生的現場。
撰文／羅健宏
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