當 AI 開始能寫歌、生成聲音、製作影像，創意工作者面對的問題不再只是工具更新，而是更根本的：那些長年累積的專業，還剩下多少不可取代的部分？
在 2026《臺北文創名家會客室》首場講座中，音樂總監櫻井弘二與設計師顏伯駿從各自經歷出發，提供了一個更具體的觀察角度——與其問「會不會被取代」，不如重新理解「創作的核心是什麼」。
這場以「From AI to I」為題的對談，吸引了不同世代的創作者與學習者到場，也讓討論不只停留在技術層面，而是延伸到創作者如何定位自身價值。
技術進步帶來的，不只是效率，而是創作方式的改寫
櫻井弘二的職涯幾乎橫跨整個音樂產業的技術轉型。從類比合成器時代開始，他描述那是一個需要「手動除錯」的年代——每一條線路、每一個旋鈕都直接影響聲音結果，錯一步就得重來。
進入數位時代後，聲音可以被儲存、複製與快速切換，音樂製作逐漸走向模組化與流程化。而到了 AI 階段，變化再次加速：從歌聲生成、樂器模擬，到音軌分離與重組，許多過去需要專業錄音室與團隊完成的工作，如今可以在單一電腦中完成。
這種變化的關鍵，不只是「變快」，而是讓創作流程的結構本身被重寫。當修改一段旋律或替換一種聲音只需幾秒鐘，創作者面對的不再是「能不能做到」，而是「要不要這樣做」。
不過，櫻井也指出 AI 的限制：它依賴既有資料進行預測，傾向生成「最合理」的選擇，卻未必是「最有趣」或「最有情感」的結果。這讓創作者的角色從執行者，轉向判斷者。
當執行成本下降，創意的門檻反而提高
對顏伯駿而言，技術淘汰並不是新鮮事。從學生時代學習的 Flash 在畢業後迅速消失，到唱片產業從實體走向數位，他的職涯本身就是一連串「技能失效」與「重新定位」的過程。
這也讓他對 AI 的態度更務實：與其抗拒，不如思考如何利用。
他分享在世壯運期間製作紀錄片的經驗——原本需要數月整理的上百小時素材，透過 AI 協助分類與檢索，在不到半個月內完成。關鍵不在於減少人力，而是讓團隊能把時間集中在敘事與觀點的建立上。
同樣的轉變也出現在設計教育案例中。過去需要長時間考證與繪製的教材內容，如今可以透過生成技術快速完成。這讓設計不再被製程綁住，而回到更前端的問題：內容如何被理解與傳達。
當執行成本大幅降低，真正稀缺的，反而是清楚的創意方向與判斷能力。
創作者的價值，來自選擇而不是產出
兩位講者最一致的觀點，落在「選擇」這件事上。
櫻井以餐廳為例：讓人記住的不是菜色的數量，而是背後的故事與判斷。AI 可以生成無數版本，但無法替創作者決定哪一個才是「值得被留下」的版本。
顏伯駿則從角色轉變切入。他認為未來的創作者不會只是一種職稱，而是多種能力的組合——設計、策劃、教育、研究與整合能力的不同配置，構成每個人的獨特性。
在這樣的脈絡下，「I」並不是對抗 AI 的存在，而是創作者在工具高度發達之後，仍然需要負責的那一部分：經驗、感受、偏好與判斷。
當技術持續進步，創作變得越來越容易，真正困難的，反而是回答一個更簡單的問題——你為什麼選這個版本？
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