對洪佩瑜而言，歌唱並不是一條直線。童年時，媽媽播放的 80、90 年代台語歌，是她最早接觸音樂的背景聲；五歲開始學舞，則讓她在身體與舞台之間建立起長久的關係。後來，她因選秀節目被大眾看見，卻又在留下〈踮起腳尖愛〉之後離開歌手身分，投入舞蹈、劇場與配樂工作。如今重新回到音樂裡，她更願意把自己理解成一名「以身體為基礎的表演者」。
為什麼曾經離開歌唱？
2010 年，19 歲的洪佩瑜參加《超級偶像》第四季，隔年再參加第五屆並獲得亞軍。從南部來到鎂光燈下，她突然被推進一個遠超過自身準備的環境。節目結束後，她並不是因為討厭唱歌而停下，而是需要時間理解自己與未來。
她後來選擇把歌唱與跳舞切開，沿著舞蹈科班的路徑畢業、進入舞團，也在咖啡廳工作。即使舞團解散，她仍不願輕易放下跳舞，因為那是她想證明自己能夠持續走下去的方向。這段離開，與其說是拒絕音樂，不如說是一次重新整理身分的過程。
是什麼讓她重新使用自己的聲音？
音樂製作人陳建騏一直保留著與她合作的可能，卻沒有催促她回來，只告訴她準備好時隨時可以開始。一次參加以「家族排列」為主題的工作坊，則讓洪佩瑜從另一個角度理解歌聲：聲音不只屬於演唱者，也能替聽者保存思念，讓每個人想起生命裡曾經重要的人事物。
此後，她先從配樂與舞台演出開始，參與電影《我的蛋男情人》、《火神的眼淚》原聲帶，也接觸廣告與舞台劇。不同形式的工作讓她再次確認，唱歌從來不只是聲帶的運動，而是必須讓身體站在那裡，讓聲音與姿態一起承擔表達。
《明室》與《開》如何形成兩個階段？
2022 年，洪佩瑜以第一張個人專輯《明室》重回幕前。睽違十年，她不再需要透過其他角色靠近音樂，而是直接面對「洪佩瑜」這個歌手身分。金曲獎八項入圍與一項獲獎，固然成為外部肯定，但她更在過程裡看見自己仍在發酵，尚未被固定成單一的形狀與色彩。
到了 2025 年推出的《開》，她把這種未定型延伸成十首情緒與場景各異的作品。她不再把創作焦慮集中在是否親自寫詞作曲，而是把創作放在表達和表演上：參與概念會議、演唱會設計與造型討論，也以身體對歌曲的感受作為選歌與詮釋的依據。
歌曲如何成為身體經驗的入口？
專輯同名歌曲〈開〉讓她聯想到生命展開與撕裂的不適，因此在 MV 中以穿越身體極限的儀式回應。〈她者〉則觸及她童年搭公車時遇到暴露狂的經驗，以及多年來對身體被注視的抗拒。歌曲因此不只是在描述某種情緒，也成為她與身體重新建立關係的方法。
〈完整〉則讓她想起已離去的父親。她與詞人廖文強、王小苗討論歌詞，將「搬家」改為「逃亡」，讓原本較為冷靜的敘述更接近內心的悲傷。進錄音室時，她仍然落淚，形容錄歌像拿雞毛撣子清理積滿灰塵的角落；那些未整理的感受，透過歌曲被重新看見，也被允許存在。
為什麼她把自己稱為「以身體為基礎的表演者」？
舞蹈訓練讓洪佩瑜很早就知道，演出需要從身體開始。每次表演前，她會花半小時到一小時伸展、拉筋與做瑜伽，因為對她而言，暖身同時也是暖聲。從舞團、音樂劇到演戲與配樂，她逐漸累積出一座表演工具箱，歌唱與舞蹈只是其中不同的使用方式。
在今年兩廳院台灣國際藝術節的舞台劇《獸靈之詩：頭骨的召喚》中，她需要同時面對 VR 媒介、走位、台詞與歌唱。這類跨媒介演出，也讓「身體作為方法」不再只是抽象的自我介紹，而是直接影響排練與現場表達的工作方式。
她希望歌聲與聽眾保持什麼關係？
洪佩瑜形容，現在的社會有太多連結、資訊與干擾，因此她希望自己的歌聲像一座開放的 Wi-Fi：需要時可以進入其中，透過聲音接收一段故事；不需要時也可以關掉。這個比喻沒有把歌手放在高處，反而強調歌聲是一種可被使用、也能暫時離開的媒介。
在《開》北流演唱會上，她實現了長久以來的想法：熄滅場內燈光，只留下歌聲。看不見演出者的時刻，反而讓聽眾更專注於聲音本身。對洪佩瑜來說，那些全然融入音樂、暫時不必管理一切的瞬間，接近一種冥想，也讓她回到童年時最直覺感受音樂的自己。
從舞者到歌手，從離開舞台到重新站回聚光燈下，洪佩瑜沒有急著替自己找到一個固定答案。她以身體承接聲音，以生命經驗理解歌曲，也讓每一次演出成為重新辨認自己的過程。或許正因如此，她的歌聲並不只是在傳遞作品，而是在不同的人之間，暫時建立一條可以進入、也可以自由離開的連線。
撰稿／遊遊
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